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Come avviene nel mercato dell’automobile piuttosto che del tonno in lattina, realmente il valore economico dell’opera d’arte non è mai veramente proporzionale alla dote estetica e al dato qualitativo. Le leggi dell’economia per le contrattazioni dei beni regolano la fruizione e trattano l’opera come un prodotto qualsiasi, per poterne budgettizzare le singole voci e arrivare alla determinazione del prezzo finale tenuto conto del sistema globale. Dai Sofisti a Platone fino all’Aesthetica del filosofo tedesco Alexander Gottlieb Baumgarten, il problema del Vero rispetto al Buono e al Bello afferisce all’opera d’arte nel senso più largo delle nozioni, e Socrate avvertiva “Non necessariamente ciò che non è bello e buono è brutto e cattivo”; ma sarà Vero e reale, c’è da chiedersi?

Puro no di certo, se si parla di soldi. Nel sistema dell’arte a noi contemporaneo, e forse da sempre, l’opera – abbiamo detto – è sottomessa ad un vero e proprio marketing come qualsiasi prodotto in vendita. È ampiamente accettata valida a tal proposito l’esemplificazione secondo cui l’artista crea, il critico d’arte riflette, il gallerista espone, il mercante vende, il collezionista tesaurizza, il museo storicizza, i media celebrano, il pubblico contempla. 

Oggigiorno la strutturazione internazionale dell’attività artistica si edifica su rapporti  ascendenti il tramaglio mondiale delle gallerie e il tramaglio mondiale delle istituzioni culturali. La distesa culturale dove si opera con valutazioni lo studio del bello e le piazze mondiali dell’arte dove vivono le negoziazioni e le alienazioni delle opere, combinano sinergicamente la determinazione del valore degli artisti e delle loro opere; Francesco Poli docet. Si comprende bene che, decidendo di cosa musealizzare, anche le preferenze di direttori e conservatori di museo intervengono conseguentemente sulla determinazione del valore artistico; ancorché queste scelte siano dettate dalle finanze a disposizione esse influenzeranno inevitabilmente il mercato stesso. Per dirla alla Oscar Wilde: oggigiorno si conosce il prezzo di tutto, ma non si conosce il valore di niente.

E allora gli artisti?

E allora gli artisti dovranno mirare a testi critici, libri monografici, bibliografia, sitografia, cataloghi commentati, mostre di progetto organizzate da professionisti in residenze pubbliche o prestigiose, fiere, opere musealizzate, collezionisti che contano, quotazioni ufficiali certificate da esperti di chiara fama, battute e aggiudicazioni d’asta, reference galleries e territori di distribuzione. Tutte condizioni che concorrono a costituire il prezzo delle opere attraverso il coefficiente di quotazione dell’artista. Ferme restando le capacità tecniche ed estetiche espresse nel dato degli elementi contestualizzati in ogni singolo lavoro. Per dirla con le parole di uno degli artisti attualmente più pagati negli Stati Uniti, Jeff Koons: «l’arte non consiste nel fare un quadro, ma nel venderlo», alias: il problema non è fare il quadro ma venderlo.

E i collezionisti?

Il problema discrasico del collezionista d’appartamento risiede nella volontà di tesoreggiare la creazione dell’artista, dunque nel comprare in certezza di qualità e garanzia di mantenimento di valore – quasi stesse lui acquistando una lavatrice che continui a funzionare nel tempo – separando il problema del bello dal problema dell’uomo, come rilevava Giovanni Paolo II riferendosi agli artisti moderni. Baudelaire, Dante e anche Eliot avvertivano che per creare il bello l’uomo deve prima cercare in tutte le forme delle manifestazioni in natura, uomo compreso, per poterne attingere. Il collezionista commette l’errore di voler considerare l’acquisto di un’opera d’arte quale trasformazione di risparmio in capitale (opera d’arte), ma l’investimento – per sua nozione –  può rivelarsi sia buono quanto sbagliato, e l’investimento giusto per definizione è collega dei prodotti per la ricrescita dei capelli: non esiste. Perfino le grandi organizzazioni di lobbisti museali internazionali, le principali gallerie di importanza mondiale e le principali case d’asta – veri mercanti di oggi – potrebbero fallire puntando su taluni o talaltri artisti.

E l’acquisto giusto?

Il migliore affare è indubbiamente quello che fa coincidere il prezzo dell’opera col suo valore economico reale del momento. Rivolgersi sempre a un critico d’arte di chiara fama è buona regola per verificare la legittimazione degli autori a quella fascia di prezzo e sulla possibilità nel mercato di opere di altro artista di eguale valore qualitativo ma di valore commerciale ben diverso. Oltretutto è facile incappare in artisti che spessissimo propongono ingenuamente le loro opere al potenziale compratore a prezzi privi di qualsiasi fondamento: in termini di sottocultura, questi autori sono stati convinti dagli sfruttatori degli artisti dilettanti, a credere in una intima relazione fra quantità di mostre, numero di pubblicazioni in sedicenti cataloghi d’arte e valore delle proprie opere. Si tratta di galleristi ai quali non occorre nessuna competenza artistica in quanto non hanno loro nessun obiettivo di scelta e di vendita, ma semplicemente il fine di affittare lo spazio dei locali a propria disponibilità ad artisti sprovveduti che anelano di esporre in pubblico le proprie opere, e magari vincere qualche premio; e si tratta inoltre di editori di cataloghi e libri d’arte dove gli artisti possono essere inseriti comunque a fronte di un pagamento, indipendentemente da ogni capacità vera e reale. Per onestà di cronaca corre il dovere di segnalare che a fronte di tali attività operano nel mercato alcune gallerie impegnate realmente in un serio lavoro culturale, come pure fanno quei mercanti o editori che sono una vera e propria garanzia per i collezionisti di una certa raffinatezza.

Le fiere importanti

All’artista è utile segnalare le fiere importanti, casomai ritenesse opportuno parteciparvi egli sappia che la più antica è la kunstmesse di Colonia, in Germania; oltre al Mercatone di quadri e affini che si svolge a Venezia sotto il nome di Biennale, in Italia quella più importante e alacre in assoluto è la Fiera di Bologna, seguita per il buon livello di qualità da Artissima di Torino. Oltre che a Colonia fuori dall’Italia nel mondo sono importanti Internationale kunstmesse di Basilea, Frieze di Londra, Armory Show a New York, ARCO a Madrid e Foire Internationale d’Art Contemporain di Parigi, e ancora in Italia Miart a Milano,  oltre a fiere che si tengono ad Amsterdam, Chicago, Dubai, Francoforte, Los Angeles, Nizza, Shanghai e Stoccolma.

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ARTE & CULTURA

Al via workshop gratuito di teatro e filosofia

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Comunicato stampa

Sabato 18 Novembre, dalle 16:00 alle 19:30, in occasione della Giornata Mondiale della Filosofia, tutti invitati a un laboratorio che unisce il Teatro e la Filosofia, in cui i partecipanti organizzati in gruppi proveranno esercizi teatrali e dialoghi sul senso più profondo di alcune azioni quotidiane come “partecipare, imparare, lavorare, camminare e aiutare”. Il workshop di teatro e filosofia sul tema “Pensieri che diventano gesti, gesti che trasformano il mondo” è aperto ad aspiranti attori e/o appassionati di Filosofia, a chiunque piaccia recitare e a coloro che vorrebbero immedesimarsi nell’interpretazione dei grandi dilemmi del pensiero filosofico.

L’attività permetterà di migliorare le capacità espressive attraverso tecniche teatrali per scoprire le infinite potenzialità del nostro corpo. Impareranno a lavorare su un personaggio a livello fisico, emotivo e vocale attraverso esercizi ritmici, sonori, immaginativi, sensoriali e scoprire insieme il senso dei “gesti”. Il workshop sarà improntato su esercizi di lettura e interpretazione espressiva, l’utilizzo della voce così da scoprirne tutte le sfumature per amarne il senso e il valore. Si passerà poi alla redazione di testi di pillole filosofiche, lavorando a livello teatrale sulla specificità dei caratteri e sulla naturalezza espressiva.

Nello spazio Nuova Acropoli di Lorenteggio a Milano troveranno i curatori e attori dei gruppi di Teatrosofia, che dal 2014 mette in scena dal vivo e online dialoghi e interviste impossibili ai grandi filosofi del passato, e Teatropoli, progetto di aggregazione teatrale per la terza età. Un impegno che sostiene e mette in pratica l’idea che il Teatro sia qualcosa di profondamente legato ed aderente alla vita, alle urgenza espressive dell’artista e alla società. Al termine del laboratorio per chi vorrà, esercizio finale di “recitazione per il web” con la realizzazione di alcuni brevi video.  

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ARTE & CULTURA

Il (vero) Matisse e quel lavoro che pochi sanno

di Paolo Battaglia La Terra Borgese*

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Il vero Matisse e quel lavoro che pochi sanno | Rec News dir. Zaira Bartucca

Matisse sognava «un’arte di equilibrio, di purezza, di tranquillità, scevra da soggetti inquietanti o preoccupanti». Era un avvocato ma fu anche scultore. Il famosissimo pittore francese nato a Cateau e morto a Nizza, in verità studia preparandosi in Diritto, e solo nel 1890 comincia a dipingere.

Frequenta l’Accademia Julian, e diviene poi con Rouault e Marquet l’allievo di Gustave Moreau che lo influenzerà profondamente; fa numerose copie al Louvre e si lascia conquistare dall’impressionismo solo nel 1898 a Belle-Isle, in Corsica o sulla Costa Azzurra; l’influenza di Pissarro sarà molto importante. Matisse moltiplica intanto le sue esperienze e nel 1900 si avvicina anche alla scultura. A Collioure, Henri concede tutto il suo valore al colore libero e alle forme semplificate (1904-1905).

Fiero tra le belve del Fauvismo

Nella primavera del 1905, dopo il Salon des Indépendants di cui aveva presieduto la commissione, Matisse si stabilisce a Collioure dove viene raggiunto da Derain. E affascinato da Cézanne, interessato dal neoimpressionismo di Seurat e di Signac, Matisse. Farà parte della corrente dei fauves dal 1905 al 1908.

Più selvaggio di Tutti

A partire dal Salon d’Automne del 1905, durante il quale scoppia lo scandalo della «gabbia delle belve», Matisse sarà considerato il capo fila del movimento che esprime la selvaggia violenza espressiva del colore, ed eserciterà un notevole ascendente sui suoi compagni – evidenzia Battaglia La Terra Borgese.

Il rinnovamento necessario e l’Accademia

Nel 1908 Henri Matisse apre un’accademia, dove affluiscono gli allievi stranieri, soprattutto dei paesi tedeschi o scandinavi. I suoi quadri più importanti sono di questo periodo sono: Interno con organo (1900), Lusso, Calma e Voluttà (1905), Il lusso (1907).

Il filo a piombo di Henri Matisse

Signac, evocando il ricordo di Matisse mentre nel 1904 lavora a Lusso, Calma e Voluttà, scrive: «Matisse, prima del motivo, traccia il contorno dei suoi piedi sul suolo, come fa la modella in studio, per ritrovare il suo posto esatto. Tiene in mano un filo a piombo per studiare il minimo cambiamento di ritmo delle verticali. Guarda a lungo l’eucalipto fiorito e verdeggiante, dai molti rami, che sta di fronte a lui. Cerca poi pazientemente sulla sua tavolozza il colore che riempirà i contorni fissi ispirandosi alle forme evidenti. E cosi di questo albero fronzuto, sopprimendo rami e foglie, fa un cilindro nudo che non somiglia in niente a quello che la natura gli aveva offerto. Ma quando si rivede l’opera più tardi, lontano dalla precaria realtà, essa si manifesta in tutta la sua grandezza insospettata».

Mai galoppino dei movimenti artistici

Ancora, sempre nel 1908, Matisse pubblica nella Grande Revue, un manifesto in cui invita a sacrificare ogni significato oggettivo al sentimento dell’arabesco colorato. Henri non si lascerà sedurre dal cubismo e resterà fedele per tutta la sua vita ai soggetti ortodossi (nudi, interni, nature morte, paesaggi). Fa dei viaggi in Spagna e in Russia (lavora anche per i Balletti di Diaghilev dal 1905 al 1908), e dal 1911 al 1913 vive in Marocco.

La vera storia della Danza del 1910

È il 1917 quando Matisse si stabilisce a Nizza, e nel 1930 fa un viaggio negli Stati Uniti e a Tahiti; ed è così che, nel 1933, esegue per un collezionista americano, il dottor Barnes, la Danza, nella versione di una vasta decorazione murale.

Un nuovo costume artistico e la Biennale di Venezia

Nel 1938 Matisse si stabilisce a Cimiez nei pressi di Nizza e nel 1943 a Vence dove lavorerà alla decorazione della Cappella dei Domenicani. Dopo il 1947, l’artista si libererà completamente del classicismo, con le «carte ritagliate», vera ultima esplosione della sua arte. Nel 1950 riceve il Gran Premio di pittura della Biennale di Venezia.

I suoi capolavori

Tutta la vita di Matisse, creatore della pittura pura, è densa di capolavori: La gioia di vivere(1905), Lo studio rosso (1916), La lezione di piano (1917), Il ritratto di Mademoiselle Yvonne Landsberg (1914). Egli sognava «un’arte di equilibrio, di purezza, di tranquillità, scevra da soggetti inquietanti o preoccupanti».

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ARTE & CULTURA

I pittori fiamminghi e quella maniera di mescolare i colori che fece scuola

di Paolo Battaglia La Terra Borgese*

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I pittori fiamminghi e quella maniera di mescolare i colori che fece scuola | Rec News dir. Zaira Bartucca

I fratelli Van Eyck mostrarono ai loro colleghi di Gand una maniera interamente nuova di mescolare i colori. Non fu una scoperta fortuita, né repentina. Già al tempo dei Greci i pittori si preoccupavano di trovare una sostanza capace di legare i colori, così che restassero inalterabili e appiccicati alla materia su cui li applicavano, e non perdessero la brillantezza. Avevano provato l’aceto, il bianco d’uovo e altre misture: e i tentativi proseguirono per secoli. Nel medioevo gli artisti continuarono a servirsi, per la pittura murale, della tecnica dell’affresco.

Quando invece si trattava di eseguire dei dipinti trasportabili, bisognava rivestire di tela la tavoletta di legno, poi rivestire la tela con due o tre strati di gesso, poi strofinare il gesso finché risultasse liscio e lucido come il marmo. Finalmente su questa superficie venivano trasferite le linee preliminari del disegno, come oggi i disegni a matita sulla pietra litografica. Di regola era usato un fondo verdognolo o bruno, e su questo erano poi applicati i colori richiesti dal caso, legati con bianco d’uovo. Ma ogni singola pennellata era definitiva: nel senso che risultava difficile rimediare ad eventuali deficienze ed eseguire correzioni. C’era inoltre l’inconveniente che talvolta i colori non tenevano, e dopo qualche tempo il fondo bruno o verdognolo dava a tutto il dipinto un aspetto macabro, sinistro.

Finalmente, nella prima metà del Quattrocento, si sparse la voce (che fece drizzare le orecchie ai pittori italiani – la rete pullula di racconti) che nelle remote Fiandre era stato scoperto un nuovo modo di preparare i colori, ma nessuno riusciva a sapere di che si trattasse, perché naturalmente, il segreto era gelosamente custodito. Già: tutti muti come pesci. Si seppe solo che gli inventori erano due fratelli, nativi di Maeseyk nel Belgio, e chiamati Huybrecht e Jan van Eyck. Huybrecht (1366 – 1426) era il primogenito, e Jan era il suo apprendista.

Anche il loro modo di dipingere si differenziava da quello degli Italiani, perché questi ultimi provenivano, per così dire, dalle file dei mosaicisti, mentre i Fiamminghi, all’origine, si erano specializzati nella miniatura di manoscritti. Nel mezzogiorno dei Paesi Bassi questi manoscritti erano apprezzatissimi e perciò raggiungevano prezzi molto elevati, che i borghigiani di Gand e di Bruges non si facevano scrupolo di pagare perché erano, dopo i Fiorentini, i più ricchi mercanti d’Europa. Le due città erano sufficientemente distanti dal mare per non risultare esposte agli attacchi dei pirati, e per giunta erano allacciate per vie fluviali con le città dell’interno d’Europa; così che godevano di una situazione ideale per agire da intermediarie tra il continente e le Isole Britanniche.

L’Inghilterra era a quel tempo remota dal resto del mondo. Per lunghi secoli era stata alla mercé di qualunque tribù scandinava o germanica alla quale saltasse il ticchio di attraversare il Mare del Nord. Finalmente era stata conquistata da un duca normanno. L’usurpatore non solo le impose l’uso della propria lingua e delle proprie leggi, ma introdusse nell’isola anche l’architettura e le arti che erano in onore nei suoi possedimenti continentali. La cattedrale di Durham, infatti, iniziata nel 1093, ventisette anni dopo la battaglia di Hastings, era in origine di stile romanico, ma durante i cento anni che occorsero alla sua costruzione subì i mutamenti imposti dalla nuova moda e finì per risultare un edificio di stile gotico. E anche nelle chiese di data posteriore – di Wells, di Peterborough, di Westminster – il gotico prevalse, sebbene modificato dal gusto insulare degli architetti locali.

E niente, forse nel campo dell’arte l’Inghilterra procedette abbastanza benino dopo la conquista normanna, ma in quello del commercio certamente restò in coda. Quanto alle industrie: macché, era impossibile che fiorissero in quel paese dilaniato dalle lotte feudali. Si può dire che durante tutto il medio evo, l’Inghilterra avesse un solo articolo d’esportazione: la lana. Le Fiandre, invece, godendo di un periodo di relativa tranquillità, poterono dedicarsi all’industria tessile; tessevano la lana che importavano dall’Inghilterra, e vendevano i prodotti finiti in tutta l’Europa occidentale. In altre parole, detenevano il monopolio del commercio della lana. E, come accadde anche a Firenze, non appena i capitalisti ebbero accumulato risparmi, li impiegarono in ogni sorta di investimenti.

Anche la politica (e/o finanza) internazionale (e te pareva) contribuì al destino delle Fiandre. Esisteva a quel tempo nel cuore dell’Europa una specie di Stato, che è scomparso da molto tempo. Aveva cominciato ad acquistare importanza quando il figlio di Carlo Magno divise tra i suoi tre figli l’eredità paterna: era il paese noto sotto il nome di Borgogna. Cadde nelle mani di una famiglia ducale, capacissima e priva di scrupoli, che mirava a farne un vasto regno stendentesi dal Mediterraneo fino al Mare del Nord.

Se avesse potuto fondarlo, e se questo regno avesse potuto mantenersi indipendente, sarebbe stata una manna per il resto dell’Europa, perché avrebbe costituito uno Stato cuscinetto tra la Francia e la Germania e forse evitato un gran numero di guerre. Ma l’obiettivo non fu raggiunto. Tuttavia la Borgogna, all’apice del suo sviluppo, fu alla testa di tutta l’Europa per quanto si riferisce al benessere dei suoi abitanti, e i suoi duchi conducevano una vita di lusso adeguata ai cospicui fondi di cui disponevano.

Alla fine, i Duchi di Borgogna furono messi fuori combattimento da uno dei più odiosi personaggi che abbiano mai occupato il trono di Francia, ma durante il periodo della loro prosperità, realizzarono grandi cose. Chi visiti Bruges e Gand anche oggi dopo il loro letargo secolare, riesce facilmente a ricostruire lo sfondo di magnificenza sul quale spiccarono le figure di quei Duchi, sempre primi attori in tutti i drammi dell’alta società medioevale.

Questo lo scenario sul quale i fratelli Van Eyck fecero la loro comparsa al principio del Quattrocento. Vissero la maggior parte della loro vita nelle Fiandre. Lavoravano lentamente ma con deliberatezza, e la loro produzione fu limitata. Il loro stile era identico; tanto che ci è impossibile, studiando il celebre fronte d’altare della chiesa di Saint-Bavon di Gand, stabilire dove Huybrecht abbia smesso il lavoro che Jan portò a compimento. La loro abilità venne immediatamente riconosciuta dai contemporanei.

Huybrecht era pittore di corte presso il Duca di Borgogna che risiedeva a Bruxelles, mentre Jan fu dapprima pittore di corte presso il Conte d’Olanda, che per lo più risiedeva in quel suo padiglione di caccia che doveva diventare la città dell’Aja. Dopo la morte del fratello, Jan fu nominato pittore di corte del Duca di Borgogna. Nel 1428 fece parte dell’ambasciata che Filippo il Buono spedì a Lisbona per chiedere la mano di Isabella del Portogallo, ed eseguì il ritratto della futura sposa. Huybrecht morì a Gand nel 1426 e fu sepolto nella cattedrale dov’era (ed è) esposta la sua celebre Adorazione dell’Agnello. Jan morì a Bruges nel 144I e fu sepolto nella chiesa di San Donato.

Questo è all’incirca tutto quel che sappiamo sul loro conto. Ma è sufficiente per permetterei di vederli abbastanza bene. Erano due onesti lavoratori, paghi di essere riconosciuti come tali, ma consapevoli del valore delle loro opere e del rispetto che entrambi meritavano come maestri. All’esordio della loro carriera dipingevano solo soggetti religiosi, ma uscirono da questo campo e tentarono il ritratto. Il celeberrimo ritratto del giovane Arnolfini con la sposa, tradisce – nella cura dei particolari – il tocco di artisti cresciuti nella scuola di miniatori di manoscritti. I loro paesaggi, e le nature morte, rivelano una meticolosità di osservazione e di esecuzione che ci dice, sulla vita del tardo medioevo, più di quanto potrebbero dire interi volumi di parole stampate.

Così dicasi degli altri pittori che lavorarono nelle Fiandre in quel periodo di tempo o in quello immediatamente successivo. C’era Rogier van der Weyden da Bruxelles, il primo tra i Fiamminghi che visitarono l’Italia a scopo di studio. C’era Hugo van der Goes, che lavorò anche per le fabbriche d’arazzi e di vetri istoriati di Bruxelles e di Gand. C’era Gerard David, il primo tra gli Olandesi a salire in fama di pittore, e anche l’ultimo dei grandi maestri della scuola fiamminga; e c’era Hans Memling, un tedesco che dopo aver studiato a Colonia si trasferì a Bruges e vi dipinse, nell’ospedale, quel meraviglioso altare di Sant’Orsola che ha conservato intatta fino ai nostri giorni tutta la sua freschezza di colorito .

Un dettaglio dell’Arcangelo Michele della Pala del Giudizio Universale – R. van der Weyden, 1445 circa

Strano modo, per la verità, o ignoto; ma certa è una cosa: i primi pittori ad olio sapevano preparare i colori così che i loro dipinti resistettero al tempo e al clima molto meglio di numerosi quadri eseguiti nei secoli seguenti. È vero che lavoravano nelle migliori condizioni possibili. Avevano tutti gli assistenti che occorrevano e non avevano bisogno di affrettarsi. Non erano mai disturbati da chiamate telefoniche. Ed erano artigiani ancora rispettosi delle sane regole tradizionali.

La rinomanza di questi pionieri fiamminghi si propagò rapidamente, promovendo un nuovo entusiasmo per la pittura in Germania, specialmente nella valle del Reno. Aprì la strada e diede anzi l’avvio alla pittura olandese. In Italia, poi, determinò una vera “corsa al rialzo”. Ma nelle Fiandre la scuola dei grandi primitivi cessò con la stessa subitaneità con cui era sorta. Più tardi risorse, con Brueghel, Rubens e Van Dyck.

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Il minimalismo (inedito) di Damnjan in mostra fino a metà ottobre

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Il minimalismo (inedito) di Damnjan in mostra fino a metà ottobre | Rec News dir. Zaira Bartucca
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Una preziosa collezione privata, 20 opere di Radomir Damnjan, per la prima volta esposta al pubblico, è il corpus della mostra “Dalla Pittura alla Pittura n.1”, che Spazio Roseto accoglie dal 7 al 17 ottobre 2023 in corso Garibaldi 95 a Milano. La collezione, appartenente al gruppo Roseto, comprende tutti i principali filoni dell’artista jugoslavo (Mostar 1936), il cui percorso pittorico accompagna la storia dell’arte mondiale per oltre mezzo secolo con intuizioni artistiche e produzioni imponenti che lo rendono uno dei protagonisti internazionali dell’evoluzione dell’arte mondiale dal secondo dopoguerra in poi.

Alla fine degli anni ’50 l’artista propone già una sua personalissima visione “immaginifica” della pittura con una impostazione solo apparentemente figurativa nelle serie delle Spiagge, oggi decisamente attuali nella loro percezione di infinito geometrico tra piani sovrapposti e moduli prospettici.

Da questi primi lavori deriva il lavoro degli anni ’60 che diventa più minimalista e che fa del rigore della forma e della linea/colore un manifesto della pittura analitica internazionale (sono gli anni di Documenta Kassel – 1964, della Biennale di Venezia -1966 e 1976-, del primo premio alla Biennale di San Paolo – 1963, del suo soggiorno Newyorkese, anni nei quali il suo lavoro si relaziona con la pittura analitica americana e con quella minimalista middle europea).

Altro tema è costituito dalle “corde” (nell’immagine in alto, “Pittura su corda”) dove la pittura sul supporto corda è un dialogo fisico con la spazio quadro e lo spazio ombra che si proietta attraverso la luce sul muro di fondo. Negli anni ’70 l’esasperazione del pensiero-arte lascia più ai margini la pittura a livello internazionale. Da qui nascono le disinformazioni dove il rigore è dato dal messaggio scritto – colore monocromo che spiazza a livello celebrale lo spettatore – in una impossibilità di riconoscimento tra messaggio scritto e input visivo, in tutto connotato da un messaggio politico sociale dove l’autorità crea una verità parallela alla realtà. Temi attualissimi.

Negli anni ’80 con il ritorno alla pittura su tela vera e propria, nascono le macule, in un progressivo riempimento coloristico dello spazio tela che è “esercizio di pittura”. Gli effetti visivi di questi lavori sono appaganti e gli abbinamenti cromatici sono impattanti, ma è un esercizio quasi spirituale legato al dipingere la pittura in un serrato scorrere del tempo scandito dai gesti progressivi sulla tela che riempiono lo spazio pensiero dell’artista fino ai giorni nostri.

La progressione pittorica di queste varie decadi di lavoro, in una evoluzione-involuzione costante di temi riproposti come filoni mai esauriti, fa ricadere la produzione dell’artista tutta sotto uno stesso cielo, come se lo spazio e il tempo scorressero, ma contemporaneamente appartenessero sempre al presente del medesimo gesto del dipingere.

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